Pendahuluan: Musik dan Budaya

Musik dapat menjadi gerbang yang menarik bagi budaya lain, dan karena musik lebih dari sekadar suara, musik dapat menyebabkan pembelajaran tentang orang-orang yang memproduksi musik. Musik—suara—adalah fenomena ilmiah yang dapat diukur, didokumentasikan, dan direplikasi.

Musik—fenomena tersebut—memiliki makna yang diperolehnya melalui budaya yang menghasilkannya, dan untuk memahami musik—dari budaya kita sendiri atau dari budaya asing—sangat penting untuk belajar tentang musik fenomena tersebut. Ketika kita belajar tentang musik fenomena yang kita pelajari tentang sejarah, geografi, nilai-nilai, lingkungan, pemerintah, dan aspek budaya lainnya, dan dengan demikian itu adalah cara yang sah dan serius untuk mendekati studi budaya dan sejarah.

Mungkin itu berlawanan, tetapi menggunakan contoh musik yang jauh dihapus dari konsep budaya pribadi siswa tentang musik “baik” atau suara “menyenangkan” dapat bekerja demi guru. Fakta bahwa contoh bertentangan dengan persepsi kita yang dipelajari tentang musik dapat menyebabkan kita mengingat dengan sangat jelas dan akurasi alasan musik dan nonmusik — budaya dan sejarah — yang berkontribusi pada munculnya musik dari budaya yang berbeda.

Guru dapat membantu siswa mendengarkan dengan cara baru dengan menangguhkan penilaian tentang apa yang membuat musik “baik”; definisi “baik” adalah, bagaimanapun, diputuskan oleh budaya. Saat ini, apa yang kita sebut sebagai musik “Barat”—musik dalam tradisi Eropa—tersebar luas tidak hanya di Asia Timur tetapi juga di sebagian besar dunia. Ini tidak berarti bahwa musik Barat “lebih baik,” lebih “maju,” atau “universal.” Ini hanya berarti bahwa untuk beberapa alasan – historis, politik, pendidikan, atau lainnya — orang-orang dalam budaya lain telah menganut musik Barat.

Ketika kita mendengarkan musik yang akrab, kita secara tidak sadar menggunakan strategi mendengarkan dari budaya kita sendiri yang dipelajari untuk memahami musik itu. Ketika kita mendengarkan musik yang bukan bagian dari budaya pribadi kita sendiri — baik rap, jazz, atau musik sizhu Jiangnan  Cina (“sutra dan bambu”)—sangat membantu untuk berpikir secara sadar tentang musik itu. Mendengarkan dengan telinga baru membuat kita berpikir tentang mengapa orang-orang dalam budaya tertentu menghasilkan musik dengan cara tertentu. Ada beberapa strategi sederhana yang dapat digunakan saat mendengarkan musik yang tidak dikenal.

Salah satu perbedaan antara tradisi musik Eropa dan Asia Timur adalah tekstur, atau cara garis musik berinteraksi. Dalam musik Barat, tekstur homofonik—musik dengan melodi yang didukung oleh tumpukan nada vertikal yang disebut akor—mendominasi hari ini. Kami menyebutnya cara pitches ditumpuk dan gerakan antara tumpukan “harmoni.” Di Asia Timur, jenis tekstur yang berbeda, yang disebut heterophony — variasi simultan pada satu melodi – dominan. Musik instrumental Irlandia Traditional mungkin adalah contoh  heterophony yang paling dikenal. Musik ansambel  sizhu Jiangnan Cina juga menawarkan contoh heterophony yang jelas. Tidak ada harmoni — semua musisi memainkan melodi yang sama tetapi menambahkan ornamen dan variasi mereka sendiri.

Hal yang penting untuk diingat ketika mendengarkan musik heterophonic adalah bahwa seseorang mendengarkan garis horizontal paralel musik, dan setiap nada yang diproduksi secara bersamaan tidak berhubungan satu sama lain, tetapi dengan garis horizontal yang merupakan bagiannya. Pendengar yang selaras secara budaya bahkan mungkin tidak menyadari bahwa kedua lapangan terdengar bersama. Mendengarkan musik dengan aliran horizontal paralel seperti mendengarkan percakapan bersamaan, dan dengan latihan, seseorang dapat belajar mendengarkan dengan cara ini.

Ornamen musik, hiasan, atau dekorasi adalah variasi pada melodi umum yang penting untuk tekstur heterophonic. Karena string horizontal catatan lebih penting daripada tumpukan vertikal, nada dihiasi untuk menciptakan minat dan memudahkan pendengar untuk melihat setiap baris. Tingkat dan jenis ornamen penting, dan ornamen sering spesifik untuk instrumen tertentu.

Misalnya, pemain dapat menghias melodi dengan menggeser antara pitch pada instrumen tanpa fret instrumen string tetap atau tombol. Ornamen ini dapat diimprovisasi, tetapi jika mereka, improvisasi terjadi dalam aturan yang dikontrol dengan ketat dan didefinisikan secara budaya. Ornamen kadang-kadang dapat memberi tahu Anda sesuatu tentang wilayah dari mana musik datang; sama seperti orang-orang di beberapa daerah lebih suka makanan yang lebih pedas, beberapa lebih suka “lebih pedas”—lebih berornaor—musik. Akhirnya, mengamati instrumen mana yang dikelompokkan bersama dalam ansambel — atau yang tidak umum digunakan dalam ansambel — juga dapat memberikan petunjuk tentang budaya musik.

Perlu diingat bahwa sama seperti pengulangan diperlukan untuk belajar bahasa, hal yang sama berlaku dengan musik. Guru dan siswa harus ingat perlu waktu untuk belajar menghargai sesuatu yang baru, termasuk musik. Juga baik untuk meyakinkan siswa bahwa mereka mungkin tidak selalu belajar untuk “menyukai” jenis musik tertentu. Tujuannya adalah untuk mendengar perbedaan, memahami sesuatu tentang mereka, dan karena itu menghormati kesengajaan perbedaan.

Esai ini menawarkan sejumlah pendekatan terhadap fenomena music ini yang dapat digunakan oleh para pendidik tanpa memandang disiplin—termasuk musik. Siswa kemudian dapat mulai berpikir tentang keragaman gaya music dan bagaimana perbedaan-perbedaan itu diwujudkan dalam fenomena dan suara music. Konseptualisasi tentang mendekati studi musik dalam budaya lain dapat ditekankan dengan contoh kelas Asia Timur yang mengikuti. Pembaca dapat melihat dan mendengar banyak contoh musik dan pertunjukan Asia Timur sepanjang sisa esai ini.

Musik dan Geografi

Salah satu pendekatan termudah untuk mengintegrasikan music dari budaya asing ke dalam kelas adalah survei geografis gaya music di dalam suatu negara, diikuti oleh diskusi mengapa musik mungkin berbeda. Apakah ada fitur geografis (gunung, sungai, gurun, atau lingkungan) yang mengisolasi orang dan menghasilkan gaya musik yang berbeda? Bagaimana cara tetangga- negara, budaya, atau bahasa yang membosankan telah berdampak pada gaya music? Bagaimana dengan imigran? Apakah peristiwa sejarah mempengaruhi music? Mungkin ada alasan untuk gaya yang berbeda yang tidak mudah terlihat?

Peta yang menarik untuk Jepang mungkin berfokus pada musik rakyat dan festival. Ambil enam contoh ini:”Soran  Bushi (“LaguSoran”) dari Hokkaidō,  Edo  Bayashi  (Edo Festival Music) dari Tokyo,  Gion  Bayashi  (Gion Festival Music) dari Kyoto,  Awa Odori  (Awa Dance Festival Music) dari Shikoku, “Tanko  Bushi”(“Coal Miner’s Song”) dari  Kyūshū, dan”Asadoya  Yunta”(“Balada  Asadoya”) dari Okinawa. Semua ini diketahui saat ini di seluruh Jepang, tetapi mereka mempertahankan asosiasi regional mereka yang kuat. “Soran  Bushi” adalah lagu karya dariHokkaidō, awalnya dinyanyikan oleh nelayan untuk menemani tugas sulit menarik jaring penuh ikan.

Hari ini, seseorang yang bangga dengan katanya adalah orang-orang bodoh, dan “acara” Awa Odori sekarang diadakan di luar sisi Shikoku di bulan-bulan musim panas untuk merayakan tradisi. “Tanko  Bushi” adalah lagu dan tarian paling populerdi tarian Bon di seluruh Jepang, dan sering diajarkan sebagai tarian rakyat Jepang yang representatif di luar negara itu. Bentuk tarian berasal dari wilayah penambangan batubara Kyushu, dan gerakan tari meniru pekerjaan yang dilakukan oleh penambang batubara: menggali batu bara, melemparkan batu bara ke hopper batubara, dan mendorong hopper batubara di sepanjang trek. “Asadoya  Yunta” adalah salah satu lagu rakyatOkinawan yang paling dikenal, dan kelompok pariwisata menggunakannya untuk memanggil gambar surga tropis. Secara tradisional, itu disertai dengan  sanshin,Okinawan setara dengan shamisen  dengan tubuh kulit ular. Ini dipetik dengan pilihan tanduk kerbau yang menutupi jari telunjuk, tetapi memetik gitar atau kuku telunjuk dapat digunakan hari ini.

Setelah siswa membuat peta musik mereka, mereka dapat mendengarkan rekaman atau menonton video lagu-lagu ini dan mendiskusikan instrumen yang digunakan, pakaian yang dikenakan para pemain, tempat di mana lagu-lagu dinyanyikan, dan informasi lain yang dapat mereka peroleh dari gambar pertunjukan. Mereka juga dapat mendengarkan kualitas vokal dan ornamen untuk preferensi daerah. Misalnya, warna nada vokal yang digunakan untuk “Soran  Bushi” keras dan rumit, sementara di “Asadoya  Yunta” lebih santai dan terbuka. Keduanya disertai dengan jenis shamisen, tetapi siswa harus dapat melihat perbedaan fisik dalam instrumen yang menghasilkan suara yang berbeda. “Tanko  Bushi” dan”Awa Odori” keduanya dikaitkan dengan Festival O-Bon musim panas tetapi digunakan dengan cara yang sangat berbeda dalam perayaan tersebut. Apa perbedaan-perbedaan itu? Perbandingan Gion    Bayashi dan  Edo  Bayashi juga akan mengungkapkan gaya musik dan cara memainkannya yang cukup berbeda.

Beralih ke Korea, peta musik “Arirang,” mungkin lagu rakyat Korea yang paling terkenal, akan membantu siswa untuk memahami bahwa bahkan di daerah geografis kecil (bagian selatan Semenanjung Korea), bisa ada perbedaan besar. Kebanyakan orang hanya mendengar satu versi “Arirang”; hanya sedikit yang tahu bahwa ada beberapa versi regional dari lagu tersebut. Versi paling terkenal, biasanya hanya disebut”Arirang,” sering ditemukan dalam buku teksmusik sekolah dasar di AS dan diatur untuk band konser di “Variasi  pada FolksongKorea” pada tahun 1965 oleh komposer Amerika John Barnes Chance. Versi terkenal lainnya adalah “Chindo  Arirang,” yang berasal dari ujung selatan semenanjung Korea.

Banyak versi regional lain dari “Arirang” ada, dan menggunakan strategi mendengarkan yang dijelaskan di atas, siswa harus dengan mudah dapat membedakan di antara mereka. Beberapa kegiatan yang disarankan untuk membantu mereka fokus pada perbedaan antara versi termasuk mendengarkan kata “arirang” di masing-masing dan mendiskusikan apakah itu terjadi jumlah yang sama kali dan di tempat relatif yang sama dalam lirik. Apakah kata”arirang”dinyanyikan ke pola ritmik yang berbeda dalam versi yang berbeda? Sebagian besar musik Korea berada di triple meter. Kelompok triple meter mengalahkan menjadi tiga dengan penekanan pada ketukan pertama; apakah semua versi “Arirang” dalam meteran tiga, atau beberapa di meter duple — mengelompokkan ketukan menjadi dua dengan penekanan pada ketukan pertama? Apakah para penyanyi mengekspresikan pola ritmik melalui tubuh mereka, dan jika demikian, bagaimana? Apakah garis vokal memiliki banyak ornamen? Apakah beberapa versi lebih cepat daripada yang lain (tempo)? Siswa kemudian dapat menambahkan karakteristik yang menandai setiap versi pada peta geografi musik mereka.

Untuk Cina, siswa dapat memetakan berbagai anggota keluarga instrumen huqin (erhu,  gaohu,  jinghu,   banhu,dll.). Dua string ini membungkuk lute, dengan kepala kecil dan leher panjang, telah menjadi cukup populer di luar Cina, dan kemungkinan bahwa siswa telah mendengar suara di TV atau dalam film, atau jika mereka tinggal di kota dengan populasi Cina yang cukup besar, mereka bahkan mungkin telah melihat seseorang bermain huqin. Setelah diselidiki, siswa harus menemukan bahwa banyak varietas secara khusus terkait dengan lokasi geo-grafis. Huluhu  dan   jiaohu  berasal dari Provinsi Guangxi (kota-kota besar: Guiling dan Nanning);  yehu  berasal dari daerah sekitar Fuzhou dan Xiamen serta Taiwan, sementara yang lain digunakan di seluruh wilayah geografis yang lebih besar. Banhu berasal dari Cina utara. Beberapa instrumen dikaitkan dengan gaya musik tertentu —  jinghu  dengan opera Beijing dan gaohu dengan musik dan opera Kanton. Siswa dapat menggambarkan perbedaan fisik antara berbagai instrumen dan mendiskusikan mengapa perbedaan mungkin muncul. Misalnya, erhu dan gaohu memiliki kulit ular yang menutupi kepala mereka sementara kepala yang menutupi  banhu adalah sepotong kayu tipis. Apakah ada alasan geografis atau lingkungan bahwa kulit ular tidak digunakan secara konsisten?

Teater musikal (biasanya disebut sebagai “opera”—”Opera Peking” atau “opera Beijing”—dalam bahasa Inggris) adalah cara yang sangat baik untuk memeriksa perbedaan musik regional, banyak di antaranya terjadi karena perbedaan nada dalam bahasa lisan. Melodi yang dinyanyikan harus mencerminkan beberapa derajat perbedaan nada dalam bahasa lisan agar lirik dapat dipahami; jika dialek digunakan dalam perubahan lagu, melodi harus mencerminkannya hingga tingkat tertentu. Peta gaya teater musikal regional dapat dibandingkan dengan peta dialek lisan untuk mempelajari tentang hubungan erat antara musik dan bahasa di Cina.

Musik dan Seni Visual

Kita juga dapat memeriksa pembuatan musik, dan dengan demikian budaya yang mengelilingi musik, melalui seni visual. Penggambaran musisi, serta tempat-tempat di mana musik dilakukan, membantu kita memahami jenis instrumen yang digunakan di berbagai waktu sepanjang sejarah,  konteks di mana musik dilakukan, dan status sosial musisi. Pertanyaan-pertanyaan berikut mungkin berguna dalam memeriksa representasi visual budaya musik. Di mana para musisi tampil (panggung, ruang terbuka, rumah, restoran, situs keagamaan)? Apa yang dilakukan orang-orang di sekitar mereka (mendengarkan dengan penuh perhatian, makan / minum, berbicara)? Apa yang dipakai para musisi? Orang lain? Apakah ada orang-orang nonperforming yang membantu para musisi dalam beberapa cara? Apakah musisi semua orang dewasa? Pria? Perempuan? Apakah ada hal-hal nonmusik (alat peraga) yang digunakan oleh para musisi? (Apakah ada pada sisi mereka tanda-tanda) yang menunjukkan akan kekuasaan Allah terhadap hal-hal tersebut (dan apakah di sisi Mereka terdapat tanda-tanda) yang menunjukkan akan kekuasaan Allah (bagi orang-orang yang melihat) kepada setiap orang Apa yang mungkin mereka katakan (nama pemain / grup, nama lagu yang dibawakan, nama tempat)?

Sumber daya visual yang tersedia untuk memeriksa pembuatan musik di Cina adalah The Qianlong Emperor’s Southern Tour: Scroll Six. Gulungan ini menampilkan tiga adegan kegiatan musik yang dapat dikusalkan siswa. Menyertai peta di situs web memungkinkan siswa untuk mengidentifikasi lokasi di Cina di mana tur ini terjadi, dan siswa kemudian dapat mencocokkan lokasi dengan peta kontemporer. Stu- penyok dapat melanjutkan dengan menyelidiki jenis kegiatan musik yang sedang berlangsung di lokasi-lokasi hari ini.

Qin Cina  (long, fretless zither) juga ditemukan di Jepang dan Korea, dan representasi visual dari qin berlimpah dalam seni di seluruh Asia Timur. Kunjungan museum, baik secara pribadi, melalui buku, atau online, harus menghasilkan banyak contoh tradisi literati ini. Penggambaran ini paling sering laki-laki soliter tampil dalam pengaturan terpencil, sering di pegunungan. Dengan sedikit penelitian, siswa akan dapat menghubungkan gambar ini dengan tradisi Konfusiusan, sehingga membuka baris baru penyelidikan bagi mereka.2 Ini mengarah dengan baik ke diskusi tentang difusi music, ketika itu terjadi, mengapa itu terjadi, dan siapa aktor yang melakukan transfer musik dari satu budaya ke budaya lain, dan akhirnya apa yang telah terjadi pada qin (atau instrumen seperti qin) di Jepang dan Korea hari ini.

Buku The Ear Catches the Eye: Music in Japanese Prints  adalah sumber representasi visual yang kaya dari berbagai jenis budaya music sejarah di Jepang. Volume ini diisi dengan gambar yang diambil dari cetakan balok kayu Jepang dari abad kedelapan belas dan kesembilan belas alat musik, kegiatan musik, pembuat music, dan adegan music dalam literatur. Indeks ini memungkinkan Anda untuk mencari penggambaran alat music tertentu serta aktor dan orang-orang bersejarah lainnya yang digambarkan dalam cetakan, dari dewi matahari Amaterasu, hingga  Genji, hingga aktor kabuki terkenal Ichikawa  Danjūrō  V, VI, VII, dan VIII.  Danjūrō saat  ini adalah generasi kedua belas, dan siswa mungkin menikmati membandingkan gambar  Danjūrō  XII dengan generasi sebelumnya.

Musik dan Negara

Music dapat terjalin dengan pemerintah dalam banyak hal; dua lagu umum adalah lagu dengan lirik yang mengekspresikan perasaan tentang negara, dan musik yang dalam beberapa cara dipengaruhi oleh kebijakan pemerintah, baik sup-port atau penindasan. Pendekatan yang sangat baik untuk memperkenalkan kekuatan music dalam kaitannya dengan negara ditemukan dalam “Telling the Story with Music: The Internationale  at Tiananmen Square.” 3 Rencana implementasi ini memperkenalkan siswa pada lagu “The  Internationale,”sejarahnya, dan digunakan selama acara kritis dalam sejarah Cina baru-baru ini. Music karya musisi Tiongkok Cui Jian (b. 1961) juga dapat digunakan sebagai kendaraan yang efektif untuk mengajarkan tentang hubungan antara lagu dan negara. Selama protes Lapangan Tiananmen, lagu cinta hit-nya “Nothing to My Nameditafsirkan oleh beberapa orang sebagai komentar tentang tindakan pemerintah. ” A Piece of Red  Cloth” adalah klasik Cui Jian lain yang ia tegaskan telah menambahkan makna mengingat protes Tiananmen. Dalam kata-kata Cui Jian sendiri: “Saya tampil di Lapangan Tiananmen pada tahun 1989, lima belas hari sebelum tindakan keras. Aku menyanyikan lagu ‘A Piece of Red Cloth,’ sebuah lagu tentang alienasi. Aku menutupi mataku dengan kain merah untuk melambangkan perasaanku. Para siswa adalah pahlawan. Mereka membutuhkanku, dan aku membutuhkannya. Namun, setelah Tiananmen, pihak berwenang melarang konser.” 4

Di Jepang pada akhir abad kesembilan belas, pemerintah memutuskan bahwa kurikulum musik sekolah akan mendukung nada Barat daripada nada tradisional Jepang. Kementerian Pendidikan menugaskan komposer Jepang yang dilatih dalam tradisi Eropa untuk menyusun apa yang dikenal sebagai shōka  (lagu sekolah) yang kemudian diajarkan kepada semua anak untuk menyesuaikan telinga mereka dengan sisik Barat, harmoni, penyusunan frasa, dan karakteristik musik lainnya. Keputusan ini menyebabkan situasi di Jepang saat ini di mana hampir semua nada yang diajarkan di sekolah—dari prasekolah hingga universitas—adalah Barat; sebagian besar musisi Jepang tampil dalam orkestra, perusahaan opera, dan paduan suara (di Jepang, di Eropa, dan AS juga), dan pertunjukan Beethoven’s Symphony No. 9 berlimpah. Banyak dari  shōka ini,yang  terdiri antara tahun 1880-an dan 1920-an, masih diajarkan di sekolah-sekolah Jepang. Mereka juga diajarkan dalam Pra-Perang Dunia II menduduki Korea dan bagian asia lainnya, di mana beberapa dikenal dan dinyanyikan bahkan hari ini.

Selain berfungsi sebagai jembatan musik antara tradisi musik Jepang dan Eropa, lirik dari beberapa lagu sekolah berfungsi untuk memperkuat cita-cita moral Jepang dan rasa nasionalisme. Lagu-lagu nasionalistik yang berlebihan tidak lagi diajarkan di ruang kelas sekolah. Siswa sekolah menengah dapat menganalisis teks lagu-lagu seperti”Hi no Maru no  Hata”  (“Bendera Matahari Terbit”), “Nihon Teikoku (“Kekaisaran Jepang”), atau “Nyuei  o  Okuru (“Disusun menjadi Angkatan Darat”) mengingat peristiwa antara 1930-an dan 1945. Lagu-lagu yang memiliki  mesmoral- bijak termasuk”Yoku  Manabi,  Yoku  Asobe (“Belajar Keras, Bermain Keras”), “Nintai (“Kesabaran”), dan “Shinshū (“Cari Perbaikan Diri”). Siswa yang lebih muda mungkin menikmati belajar menyanyikan beberapa lagu dengan lirik yang kurang serius, misalnya “Hato (“Merpati”), “Katatsumuri (“Siput”), “Hiyoko (“Anak Ayam”), “Haru  ga  Kita” (“Musim Semi Telah Datang”), “Usagi (“Kelinci”), atau “Koinobori”  (“Carp Streamers”; perhatikan bahwa versi lagu yang berbeda dinyanyikan hari ini).

Kesimpulan

Musik dari seluruh dunia semakin terdengar di sekitar kita, dan siswa tertarik dengan suara-suara ini. Musik fenomena melampaui suara dan mencakup semua aspek budaya dan sejarah di mana musik ditemukan. Guru dapat memanfaatkan ahli etnomusikologi, penampil lokal, YouTube, dan sumber ulang lainnya untuk membantu siswa menyalurkan minat mereka pada nada untuk mempelajari lebih lanjut tentang Asia Timur. Guru musik kreatif akan dapat mengajarkan konsep nada dasar seperti meteran, tempo, dan arah melodi menggunakan contoh dari budaya apa pun, termasuk Asia Timur.

Semua pendekatan yang diuraikan di sini meminjamkan diri mereka untuk pengajaran tim, tetapi guru individu juga dapat memanfaatkan ide-ide ini dengan baik untuk meningkatkan pembelajaran. Pengajaran tim dengan guru nada dapat meningkatkan pengetahuan siswa tidak hanya tentang musik suara, tetapi juga musik fenomena tersebut. Dengan sedikit usaha dan perencanaan, bahkan guru tanpa pelatihan musik atau pengetahuan khusus dapat menggunakan musik dengan sukses di seluruh kurikulum.

Leave a comment

Your email address will not be published. Required fields are marked *